Pour faire le lien avec mon précédent article, Kandinsky pense que le point est l'élément originel de l'aventure humaine picturale.

Le point peut devenir ligne, courbe, carré, triangle, cercle, surface ....tout part de lui.

A l'aquarelle ce point de départ peut-être vraiment invisible, car parfois on dépose une goutte d'eau, comme premier coup de pinceau,  point originel du tableau à venir.

Avant de déposer cette première goutte d'eau ou de pigment, j'aime bien essayer un sujet avec le fusain, dont j'apprécie le jeu poudré qu'il est possible d'initier. Je trouve que le fusain possède une poésie proche de l'aquarelle. J'aime l'utiliser car pour moi c'est comme réfléchir à voix haute sur le sujet. Cela me permet de voir mes premières erreurs de compréhension ou bien de trouver des idées, voire de me libérer d'une photo pour trouver ce qui me semble important.

J'ai pu remarquer que de nombreux artistes peintres commencent par du figuratif, exploitent leur talent de dessinateur pour nombre d'entre eux. Et puis à moment leur parcours semble lâcher du lest. Ils recherchent la simplicité, le dépouillement, surtout  ils semblent aller droit au message, ou droit à l'émotion. Le dessin, les détails, semblent derrière ou en tout cas autrement....Il n'y a qu'à voir le parcours de Turner aux aquarelles de plus en plus atmosphériques....

Souvent les regards extérieurs voient quelque chose d'enfantin dans ce qui ressemble à une épure, une mise à plat

Est-ce enfantin ou bien est-ce que  le peintre retrouve un regard qui pressent les choses, comme l'enfant ressent  parfois ce qui le dépasse, sans comprendre. 

Est-ce la capacité à se défaire de ce que les années d'expériences ont  construit dans le fait de regarder ? Essayer de laisser ce qui a été appris, expérimenté, pour être capable de recréer un regard autre, nouveau? 

Kandinsky dans son livre point et ligne sur plan explique vouloir dépasser le sujet-objet pour aborder les formes. Influencé par la religion, il pense que l'art pour approcher l'invisible doit se détacher du figuratif et que l'abstrait est le moyen de donner à l'art sa dimension créatrice car la forme offre plus de liberté et de champs des possibles surtout associée au langage des couleurs contrairement à l'objet pris dans ses seuls contours. 

D'une certaine façon le seul contour, l'extériorité, ne permet pas le mouvement intérieur, l'emergence des "richesses intérieures"

Quel peut être l'intérêt de ce mouvement ? 

Un mouvement qui fait voir le monde autrement et  qui permet de donner à voir à l'autre cette perception ; regard personnel posé sur ce qui entoure et qui peut alors  donner à celui qui regarde une part d'universel où lui-même va se retrouver ?

Il me semble que  Kandinsky semble vouloir dépasser les dualités. 

Par exemple deux couleurs complémentaires peuvent se rencontrer  bien qu'opposées sur la roue des couleurs mais souvent l'une étouffe l'autre, la lumière se perd.  Leur dualité  arrive à faire émerger une couleur, mais il peut lui manquer quelque chose de vibrant. 

C'est peut-être un peu cela la recherche de Kandinsky, faire que son œuvre soit un lieu où l'espace et le temps existent , vibrent. Pour cela il recherche les résonances et dissonances de couleurs ou de formes pas seulement pour leur complémentarité mais pour les tensions qu'elles génèrent et qui mises en musique par la main de l'homme deviennent création. 

référence: Wassily Kandinsky Point et ligne sur plan folio essai

La vigne est parfois présentée comme le symbole de la connaissance des mystères, mystères de la vie et de la mort, mais aussi de la vie après la mort. J'ai donc choisi des couleurs de terre pour être en lien avec ce champ de connaissance et j'ai choisi des grains  assez blancs pour certains, pour illustrer naissance et renaissance, thématique collatérale à ces mystères.
The vine is sometimes presented as the symbol of knowledge of mysteries, mysteries of life and death, but also of life after death. I therefore chose earth colors to be linked to this field of knowledge and I chose grains that were quite white for some to illustrate birth and rebirth thematic collateral to these mysteries.

Cette oeuvre est à la vente dans la catégorie Nature et Paysage

https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/19151320/la-vigne-des-mysteres

J'ai essayé de vous rendre plus attractive la consultation de mes aquarelles en facilitant votre recherche.

J'ai ainsi créé plusieurs galeries thématiques s'agissant de mon portfolio:

- En attendant la danse

- Dedans dehors

- Paysage et nature

- Vie quotidienne

Cela me permet de resituer l'aquarelle dans son contexte d'intention.

Très bonne visite à vous

J'ai réalisé une nouvelle aquarelle sur le thème de la danse

Et vous pouvez la consulter ici:

                https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/19134256/en-attendant-la-danse-2            

Les pinceaux ont un coût non négligeable pour un aquarelliste, surtout s'il travaille avec des poils naturels ou dont la qualité est supérieure. Par ailleurs l'intensité de la pratique, le fait d'utiliser des godets...sont des facteurs d'usure.

Il est indispensable de prendre soin de ses pinceaux....car, sans même penser à ce qui précède, on a vite ses habitudes et ses préférés et que, en changer, c'est comme quitter ses chaussons....on a peur de perdre en confort. 

Le séchage est important car le bois du manche, la virole peuvent être impactés par une stagnation de l'eau. Le fait de mal positionner son pinceau au moment du séchage peut également abîmer la texture et la tenue des poils. 

J'ai essayé plusieurs solutions, au final ce qui me convient le mieux c'est d'incliner mon plan de travail d'étendre une serviette et de déposer mes pinceaux. 

Si vous voulez voir ma dernière aquarelle, c'est ici

Et voilà une photo de mon coin de table lorsque l'aquarelle était en cours

Je souhaitais retranscrire l'atmosphère du matin lorsque la solitude dans un lieu donne à penser que le champ des possibles reste ouvert. J'avais envie d'une grande simplicité parce que le matin est souvent dans cette simplicité tendre d'un jour qui s'est levé.

L'aquarelle est une technique qui oblige à de nombreuses astuces pour donner l'illusion de la profondeur, de la texture, du relief.....c'est le lot de tout dessinateur ou peintre avec les supports huile ou  acrylique....rien de vraiment  exceptionnel donc....Toutefois l'aquarelle de par sa consistance nécessite peut-être encore plus que les autres médiums cette capacité à utiliser différentes techniques pour jouer avec l'espace et le sujet. 

Peindre en négatif est par exemple très utilisé. D'une part parce que la composition se réfléchit en masses et formes au delà du sujet principal, d'autre part parce que, à l'aquarelle particulièrement, cette technique est source de créativité.  Il s'agit de peindre ce qui entoure plus que le sujet en lui même,  et cela produit de très beaux effets en mouillé sur mouillé.

Pour fêter l'été et la chaleur, une petite aquarelle rafraîchissante pour vous montrer la différence entre peindre en positif et en négatif, amusant non ? 

une nouvelle oeuvre à la vente et tous les détails sont ici: https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/19075498/un-ete-blanc-de-chaleur